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Rencontre avec : Eva Nielsen

Die französisch-dänische Künstlerin Eva Nielsen hat 2009 ihr Studium an den Beaux-Arts in Paris abgeschlossen und schafft rätselhafte proteanische Werke. Mit ihren manchmal gedruckten oder siebgedruckten Leinwänden rüttelt sie an den Codes der Malerei, mischt Medien und regt die Fantasie des Betrachters an. Treffen Sie einen inspirierten und inspirierenden Maler.

Muuuz: Kannst du uns etwas über deine Reise erzählen?
Eva Nielsen: Als ich jung war, wollte ich keine Künstlerin sein. Nach einem DEUG in Modern Letters und einem Master in europäischer Geschichte an der Sorbonne habe ich endlich die Beaux-Arts de Paris ausprobiert und wurde angenommen. Mein Eintritt in die Schönen Künste war ein entscheidender Schritt auf meiner Reise. Ich habe meine Jahre dort geliebt. Ich traf meine Freunde, sehr interessante Künstler, die mir genauso viel beibrachten wie meine Lehrer. Dank des Sokrates-Stipendiums habe ich 2008 am Central Saint Martins studiert. Dieser Aufenthalt in London war sehr bereichernd. Dann fing ich schnell an, mit Galerien zu arbeiten. Mehrere künstlerische Aufenthalte in Frankreich und im Ausland haben meine Karriere unterbrochen. Ich hatte die Gelegenheit, 2012 mit der Künstlerin Mireille Blanc nach Norwegen zu gehen, um bei LKV zu arbeiten, und dann mit dem Maler Raphaël Barontini nach Los Angeles, um alle technischen Werkstätten von zu nutzen The Cabin Gruppenausstellungen haben auch meine Karriere geprägt. Ich mag es, dass meine Arbeiten mit den Kreationen anderer Künstler konfrontiert werden.

Was ist Ihre Herangehensweise an die Malerei?
In meiner Malerei geht es vor allem darum, Hybridität, Collage und Multidisziplinarität zu fördern. Die Leinwand fängt einen Teil eines Ganzen ein. Ich interessiere mich sehr für das fotografische Bild und seinen abgeschnittenen Aspekt. In der Fotografie wie in der Malerei fängt der Künstler eine Vision ein, die notwendigerweise fragmentarisch ist. Der Off-Screen ist genauso interessant wie die Leinwand. Technisch ist mein Bild durch Überlagerung definiert. Ich mag es zum Beispiel, einen diffusen Hintergrund mit einer klaren Linie abzugleichen, die durch Siebdruck erhalten wird. Die Technik geht auch Hand in Hand mit dem Intellekt. Wenn ich ein Bild im Sinn habe, wähle ich eine bestimmte Technik, um es auf die Leinwand zu bringen. Die Technik ergibt sich also aus der Idee. Ich liebe diese Begegnung der Geste mit dem Geist.

Sie sind Maler, aber auch Fotograf und Siebdrucker. Was ist Ihr kreativer Prozess von der Malerei bis zum Siebdruck?
Mein Erstellungsprozess ist nicht definiert. Es besteht immer ein Risiko, was auch sehr aufregend ist. Im Moment mische ich alle Techniken. Ich male meine Leinwand, lege sie in einen Drucker und drucke sie im Siebdruck. Ich verliere mich auch in den Phasen, von der Collage bis zum Überdrucken. Das tägliche Experimentieren des Workshops bringt seinen Anteil an Gefahren mit sich. Es ist wichtig, den Unfall zu sehen und zu behalten. Als ich Student war, habe ich gegen den Unfall protestiert. Im Gegenteil, heute schätze ich das Unerwartete. Die vollständigste Kunst ist zweifellos die, bei der es dem Künstler gelingt, die Improvisationen zu regulieren, um sie vollständig in den kreativen Prozess einzubeziehen. Somit ist die Workshop-Sitzung komplex und interessant. Manchmal werfe ich meine Leinwände. Ich mag diese selbstbewusste Geste, die eine Distanzierung des Schöpfungsakts offenbart. Ich bin weiterhin davon überzeugt, dass das Ego für das Ego ziemlich schädlich ist, weil der Wunsch zu schaffen überwiegen muss. Meine Arbeit vereint mehrere Referenzen. Kunst ist eine Begegnung zwischen verschiedenen Bereichen. Ich bin fasziniert vom Black Mountain College, einer amerikanischen humanistischen Universität, die von den Vorschriften von Josef und Anni Albers geprägt war. Mit der Ankunft des Paares in den USA in den frühen 1930er Jahren wurde das Black Mountain College zu einer Avantgarde-Schule, an der alle künstlerischen Disziplinen unterrichtet wurden. Ich liebe alle Kreationen. Ich konnte mich nicht auf ein einziges Medium beschränken.

Viele Ihrer Arbeiten sind das Ergebnis einer Reflexion über den städtischen Raum. Woher kommt diese Faszination für Landschaften?
Ich habe zehn Jahre in den Vororten gelebt und gearbeitet. Die Vororte inspirieren mich sehr. Peri-städtische Landschaften sind immer plural. Sie entwickeln sich ständig weiter. In den Vororten mag ich den Wechsel zwischen sehr konstruierten Landschaften und verlassenen Orten wie Brachsteinbrüchen. In Villeneuve-Saint-Georges zum Beispiel sind alle Stadien der Urbanisierung sichtbar. Sobald ich reise, nehme ich öffentliche Verkehrsmittel und besuche die Vororte, ob in Berlin oder New York. Ich mag es zu entdecken, wie sich eine Stadt entwickelt. Die Vororte sind Orte, die selbst Collagen, Oxymorons sind. Mir gefällt, dass der Raum nie definiert wird. Ich male mögliche Stellen, die niemals gefroren sind. Ich bin weder Bibliothekar noch Geograph. Die Orte, an denen ich male, sind daher nicht wirklich real.

Welche Beziehung haben Sie zur Architektur?
Meine Beziehung zur Architektur ist empirisch. Ich lebe es, ich sehe es, ich dokumentiere es, ich male es. Ich bin fasziniert von dem Haus, aber auch von dem Tierheim, wie Louise Bourgeois es definiert hat. Unmittelbar nach der Subprime-Hypothekenkrise machte ich einen Ausflug nach Detroit und entdeckte all die verlassenen Wohnungen, all diese Wohnungen, die ihren primären Wert an Wohnraum verlieren. Die Architektur ist sowohl fabelhaft als auch fragil, weil sie ihren eigenen Selbstzweck hat. Wenn ich Architekturen male, interessiert mich nicht das Gebäude selbst, sondern die Beziehung, die der Mensch zu ihm hat. Ich mache auch leidenschaftlich gerne Modelle. Als ich zehn Jahre alt war, habe ich mir das Bein gebrochen. Nach dem Vorfall musste ich ein Jahr still sitzen. Eines Tages gab mir mein Vater ein Modell. Ich habe dann meine Genesung damit verbracht, Tonnen von Modellen herzustellen.

Welche Künstler inspirieren dich? Warum?
Ich bin von vielen Persönlichkeiten beeinflusst. Ich mag romantische Maler wie Caspar David Friedrich sehr, der dem Betrachter in seinen Gemälden viel Raum lässt. Ich selbst versuche, meine Augen durch die des Betrachters zu ersetzen. Ich hoffe, dass der Betrachter seiner Fantasie freien Lauf lassen kann. Dies findet sich bei surrealistischen Künstlern. Man Ray gefällt mir sehr, weil er die Moderne perfekt verkörpert. Ich bin auch von mehreren modernen und zeitgenössischen Künstlern inspiriert. Ich liebe Paul Cézanne, Paul Klee, Ed Ruscha, Georgia O'Keeffe, Lee Lozano oder sogar Helen Frankenthaler. Fotografie und Architektur faszinieren mich aber auch. Ich bin ein Fan der poetischen Aufnahmen von Luigi Ghirri und der komplexen Architekturen, die Zaha Hadid sich vorgestellt hat.

Woran arbeiten Sie gerade?
Derzeit arbeite ich an drei Serien. In einer Serie male ich anthropomorphe Architekturen, dh Architekturen, die eine menschliche Morphologie annehmen. Während eines Aufenthalts in Sibiu in Rumänien entdeckte ich diese überraschenden Gebäude. Ich denke auch über die Idee eines gestörten Bildes nach, das darüber hinaus durch die Fotografie perfekt illustriert wird Weltraumporträt von Lee Miller. In einer anderen Serie stelle ich mir Architekturen als Durchbrüche am Horizont vor, Umlaufbahnen, durch die wir versuchen, einen Teil der Landschaft zu erraten. Ich arbeite gerne an mehreren Serien gleichzeitig, damit ich ohne Langeweile von einer zur anderen wechseln kann.

Um mehr zu erfahren, besuchen Sie die Website der Künstlerin Eva Nielsen et die Website der Galerie Jousse Entreprise.

Bildmaterial: Porträt © Vincent Ferrane, Werke © Eva Nielsen

Léa Pagnier

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