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Rencontre avec : Ludovic Sauvage

Der französische bildende Künstler Ludovic Sauvage (geb. 10) schafft seit über 1985 Jahren immersive Installationen, manipuliert von anderen produzierte Bilder und schöpft seine Inspirationen aus einem postmodernen kollektiven Gedächtnis. Während er an der Vorbereitung seiner zweiten Einzelausstellung in der Galerie Valeria Cetraro arbeitete, trafen wir ihn in seinem Pariser Studio, um über Kreation, Installation und Wahrnehmung zu sprechen.

Muuuz: Kannst du uns etwas über deinen Hintergrund erzählen?
Ludovic Sauvage: Ich bin durch eine Zeichenpraxis zur Kreation gekommen, die mich dann zu einem Sektor für angewandte Kunst in der High School geführt hat. Nachdem ich mehrere Aufnahmeprüfungen an Schulen der schönen Künste bestanden hatte, studierte ich an der regionalen Schule der schönen Künste in Valence und dann in der Villa Arson in Nizza. Bei der ERBA in Valencia habe ich viel theoretisches und konzeptionelles Wissen erworben und angefangen, mit Bildern zu arbeiten. In der Villa Arson setzte ich meine Forschungen zur Dekonstruktion und Platzierung von bereits produzierten Bildern im Raum fort. Nach meinem Abschluss zog ich nach Australien, wo ich neun Monate lang lebte und arbeitete. 2008 kehrte ich nach Frankreich zurück, um an der Ausstellung teilzunehmen Trivial Abstract organisiert von Pascal Pinaud in der Galerie Nathalie Obadia und in der Galerie Carrée der Villa Arson, und ich zog nach Paris.

Sie manipulieren datierte Bilder: Erinnerungsfolien, analoge Archive, Fotos aus Zeitschriften oder Büchern. Manchmal druckt man sie auf Stoff oder Spiegel. Sie arbeiten auch mit Video und 3D, aber vor allem erfinden Sie immersive Installationen, die mit Projektionsgeräten ausgestattet sind. Wie würden Sie Ihre künstlerische Praxis definieren?
Meine Arbeit konzentriert sich auf eine persönliche Praxis der künstlerischen Installation. Ich versuche, Bilder zu dekonstruieren, um Empfindungen zu erzeugen, die einen Diskurs darüber führen, was sich vor unseren Augen abspielt. Die ausgewählten Bilder, die von allen und insbesondere von Zuschauern, die in die Popkultur der postmodernen Gesellschaft eingetaucht sind, geschätzt werden, stellen die Beziehungen in Frage, die wir zu den Bildern haben. Mit meinen Installationen möchte ich den Zuschauer zu verschiedenen anderen Orten führen, indem ich diesen Moment spiele oder wiederhole, in dem das Bild seine Aufmerksamkeit, sein Gedächtnis und seine Vorstellungskraft erregt. Wenn ich Objekte mache, versuche ich auch, die Eindrücke zu transkribieren, die Bilder hervorrufen können, aber dann die affektive Dimension der Objekte in Frage zu stellen.

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In den meisten Ihrer Arbeiten verwenden Sie Bilder, die Sie nicht produziert haben. Warum ? Wie wählst du sie aus?
Sehr früh in meinem Studium begann ich mit Bildern zu arbeiten, die von anderen Betreibern aufgenommen wurden. Zu dieser Zeit balancierte die Produktion neuer Bilder viele Praktiken aus, die ich nicht erforschen wollte. Von Beginn meiner Karriere an habe ich mich daher natürlich einer Praxis zugewandt Sample. Durch die Beschränkung meines Erstellungsprozesses auf einen einfachen Eingriff in bereits vorhandene Bilder konnte ich endlich einen interessanteren Dialog mit der Außenwelt beginnen. Ich stoße oft auf Bilder. Ich sammle verschiedene Bilder. Dann entsteht irgendwann ein interessantes Bündel von Bildern, und ich möchte es ausnutzen. Im Volle SonneIch habe zum Beispiel eine Reihe von Dias ins All gebracht, die von einem Amateurfotografen aufgenommen wurden, aber zu mir sprechen, weil sie die Landschaften Südfrankreichs aus meiner Kindheit zeigen.

Tanz Archäologie (Formen) (2017) bearbeiten Sie zehn Folien mit Kunstwerken. Möchten Sie mit diesen Bildern in ein bestimmtes kunsthistorisches Erbe passen?
Tanz Archäologie (Formen)Ich gehe nicht freiwillig in ein Erbe der Kunstgeschichte ein, aber es macht mir nichts aus, dass die Zuschauer dieses Gefühl haben. Dieser Satz von zehn Erinnerungsfolien, der einst an Besucher von Museen in Griechenland verkauft wurde, ergänzt meine üblichen Bilder. Durch Modifizieren dieser Folien, die mit der Erinnerung an einen Besuch verknüpft sind, wollte ich minimalere Formen erzeugen, die letztendlich eine neuere visuelle Kultur widerspiegeln. Die bildliche Beziehung zum Bild interessierte mich viel mehr als die fotografierten Arbeiten. Ich wollte hauptsächlich ein visuelles Kartenspiel erstellen, aber ich kann den offensichtlichen Dialog mit der Kunstgeschichte nicht leugnen.

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In Ihren Arbeiten, in denen es um Landschaft geht, reflektieren Sie die Beziehungen zwischen Bild, Raum und Zeit. Was fasziniert Sie an der Darstellung der Landschaft?
Wenn ich Landschaftsbilder manipuliere, interessiert mich hauptsächlich die Projektion und die Dichotomie zwischen der gelebten Landschaft und der wahrgenommenen Landschaft. Ich habe es immer gemocht, mich in eine anderswo phantasierte zu projizieren. Das Bild einer Landschaft ist immer eine Sichtweise auf einen Ort und ermöglicht es, einen Raum zu umarmen, ohne ihn erleben zu müssen.

In den Einrichtungen Täler (2010) et Volle Sonne (2014) projizieren Sie Bilder und tauchen den Betrachter in eine visuelle und immersive Erfahrung ein. Welche Reaktionen möchten Sie in ihm provozieren?
Ich versuche den Zuschauer zu verführen, während ich ihn zweifeln lasse. Ich versuche einerseits, ihn zu fesseln und andererseits ihn zu drängen, sich über diese Verführung zu wundern. Meine Beziehung zum Zuschauer ist daher ambivalent. Im TälerZwei Landschaften werden am selben Ort projiziert, jedoch aus zwei separaten Projektionsquellen. Durch das Hinzufügen von Licht fügen sich die Landschaften perfekt ein. Das Ergebnis ist eine Landschaft, die völlig real erscheint. Wenn der Zuschauer vor der einen oder anderen Projektionsquelle vorbeikommt, kann er ein Bild löschen und ein neues entdecken. Hier bestand meine künstlerische Geste darin, die Bilder auszuwählen, in den Raum zu stellen und an derselben Stelle zu projizieren. Zum Volle SonneIch habe 81 analoge Dias gestanzt. In jedem Bild ersetzt jetzt ein weißer Kreis das Hauptmotiv. In diesen beiden Projektionsgeräten habe ich die Schleife verwendet und über den Kontext nachgedacht, in dem meine Arbeiten präsentiert werden würden. Ebenso in Zwei WüstenXNUMX verschiedene Sequenzen von einer Minute folgen aufeinander. Wie Philippe Parreno in erklärt SprechblasenDie Schleife ist eine sehr geeignete Form für die Ausstellung. In meinen Installationen versuche ich, den Betrachter mit immersiven Geräten zu fesseln, die je nach den verschiedenen Zeiträumen, die jeder wählen kann, erlebt werden können.

Vom 04. bis 25. Juli werden Sie in der Galerie Valeria Cetraro ausgestellt. Was sind die Herausforderungen dieser persönlichen Ausstellung?
Lebendige Angst & bunte Zweifel ist meine zweite Einzelausstellung in der Galerie Valeria Cetraro. Zum ersten Mal zeige ich nur Objekte. Unter den Stücken, die in der Galerie präsentiert werden, wurden einige während einer früheren Ausstellung produziert, die 2019 in Bains-douches in Alençon stattfand. Die anderen sind neue Objekte, die mit dem verbunden sind Architektur und Design, und manchmal inspiriert vom fiktiven Raum des Badezimmers, einem Klassiker der B-Serie und Horrorfilmen. In allen Räumen arbeite ich an dem Bild und verwende insbesondere Fotografien aus den 1960er und 1970er Jahren. Eine der Herausforderungen der Ausstellung wird es sein, zu sehen, wie diese Objekte autonom mit dem Raum in Resonanz treten.

Um mehr zu erfahren, besuchen Sie Ludovic Sauvages Websiteund das der Valeria Cetraro Galerie.

Lebendige Angst & bunte Zweifelvom 04. bis 25. Juli in der Valeria Cetraro Galerie (75003).

Visuals: © Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Galerie Valeria Cetraro

Léa Pagnier

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