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Rencontre avec : Ludovic Sauvage

Durante más de 10 años, el artista visual francés Ludovic Sauvage (nacido en 1985) ha creado instalaciones inmersivas, manipula imágenes producidas por otros y se inspira en una memoria colectiva posmoderna. Mientras trabajaba en la preparación de su segunda exposición individual en la galería Valeria Cetraro, lo conocimos en su taller parisino para hablar sobre creación, instalación y percepción.

Muuuz: ¿Puedes contarnos sobre tus antecedentes?
Ludovic Sauvage: Llegué a la creación a través de una práctica de dibujo, que luego me llevó a un sector de artes aplicadas en la escuela secundaria. Después de haber aprobado varios exámenes de ingreso a las escuelas de arte, estudié en la Escuela Regional de Bellas Artes de Valence, luego en Villa Arson en Niza. En el ERBA en Valencia, adquirí una gran cantidad de conocimiento teórico y conceptual, y comencé a trabajar con imágenes. En Villa Arson, continué mi investigación sobre la deconstrucción y la colocación en el espacio de imágenes ya producidas. Después de graduarme, me mudé a Australia, donde viví y trabajé durante nueve meses. En 2008, regresé a Francia para participar en la exposición. Resumen trivial comisariada por Pascal Pinaud en la galería Nathalie Obadia y la galería Carrée de Villa Arson, luego me mudé a París.

Manipula imágenes fechadas: diapositivas de recuerdo, archivos analógicos, fotografías tomadas de revistas o libros. A veces los imprimes en telas o espejos. También trabajas con vídeo y 3D, pero sobre todo inventas instalaciones inmersivas equipadas con dispositivos de proyección. ¿Cómo defines tu práctica artística?
Mi trabajo se centra en una práctica personal de instalación artística. Busco deconstruir imágenes para producir sensaciones que transmitan un discurso sobre lo que se desarrolla ante nuestros ojos. Las imágenes elegidas, apreciadas por todos, y particularmente por los espectadores que han estado inmersos en la cultura pop de la sociedad posmoderna, cuestionan las relaciones que tenemos con las imágenes. Con mis instalaciones, tengo la intención de guiar al espectador hacia otros lugares jugando o reproduciendo este momento cuando la imagen requiere su atención, su memoria y su imaginación. Cuando hago objetos, también trato de transcribir las impresiones que pueden generar las imágenes, pero luego cuestiono la dimensión afectiva de los objetos.

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En la mayoría de sus trabajos, utiliza imágenes que no ha producido. Por qué ? ¿Cómo los seleccionas?
Muy temprano en mis estudios, comencé a trabajar con imágenes tomadas por otros operadores. En ese momento, la producción de nuevas imágenes equilibraba muchas prácticas que no quería explorar. Desde el comienzo de mi carrera, por lo tanto, naturalmente me moví hacia una práctica relacionada con muestra. Limitar mi proceso creativo a una simple intervención en imágenes ya existentes finalmente me permitió iniciar un diálogo más interesante con el mundo exterior. A menudo me encuentro con imágenes por casualidad y las colecciono. Luego, en un momento dado, se está formando un paquete interesante de imágenes y quiero explotarlo. Dentro Plein Soleil, por ejemplo, pongo en el espacio una serie de diapositivas tomadas por un fotógrafo aficionado que me hablan, porque dan a ver los paisajes del sur de Francia de mi infancia. 

Dans Arqueología (formas) (2017), está editando diez diapositivas de obras de arte. Con estas imágenes, ¿busca encajar en un cierto patrimonio de la historia del arte?
Dans Arqueología (formas), No me inscribo voluntariamente en historia del arte, pero no me importa que los espectadores tengan este sentimiento. Este conjunto de diez diapositivas de recuerdo, que una vez se vendió a los visitantes en los museos de Grecia, se hace eco de mis imágenes habituales. Al modificar estas diapositivas vinculadas a la memoria de una visita, busqué producir formas más minimalistas que finalmente se hacen eco de la cultura visual reciente. Me interesó mucho más la relación pictórica con la imagen que las obras fotografiadas. Lo que más quería era crear un juego de cartas visual, pero no puedo negar su diálogo evidente con la historia del arte.

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En sus trabajos donde se trata de paisajes, reflexiona sobre las relaciones entre imagen, espacio y tiempo. ¿Qué te fascina de la representación del paisaje?
Cuando manipulo imágenes de paisajes, me interesa especialmente la proyección y la dicotomía entre el paisaje vivido y el paisaje percibido. Siempre me ha gustado la posibilidad de proyectarse en un otro lugar fantaseado. La imagen de un paisaje es siempre un punto de vista que se da sobre un lugar, y permite abrazar un espacio sin tener que experimentarlo.

En las instalaciones valles (2010) et Plein Soleil (2014), proyectas imágenes y sumerges al espectador en una experiencia visual. ¿Qué reacciones quieres provocar en él?
Intento seducir al espectador mientras le hago dudar. Intento, por un lado, cautivarlo y, por otro lado, empujarlo a preguntarse por esta seducción. Mi relación con el espectador es, por lo tanto, ambivalente. Dentro valles, dos paisajes se proyectan en el mismo lugar pero desde dos fuentes de proyección diferentes. Al agregar luz, los paisajes se mezclan a la perfección. El resultado es un paisaje que se siente completamente real. Si el espectador pasa junto a una u otra de las fuentes de proyección, puede borrar una imagen y descubrir una nueva. Aquí mi gesto artístico consistió en elegir las visuales, ponerlas en el espacio y proyectarlas en el mismo lugar. Para Plein Soleil, Pulsé 81 diapositivas analógicas. En cada imagen, un círculo blanco reemplaza al sujeto principal. En estos dos dispositivos de proyección, utilicé el loop y pensé en el contexto en el que se presentarían mis obras. Asimismo, en Dos desiertos, treinta secuencias diferentes de un minuto se suceden. Como explica Philippe Parreno en Globos de texto, la hebilla es una forma muy adecuada para la exposición. En mis instalaciones, trato de cautivar al espectador con dispositivos inmersivos, que se pueden experimentar según diferentes temporalidades dejadas a la elección de todos.

Del 04 al 25 de julio, estará expuesto en la galería Valeria Cetraro. ¿Cuáles serán los desafíos de esta exposición personal?
Angustia vívida y dudas coloridas es mi segunda exposición personal en la galería Valeria Cetraro. Por primera vez, solo mostraré objetos. Entre las piezas que se presentarán en la galería, algunas fueron producidas con motivo de una exposición anterior, celebrada en Bains-Douches en Alençon en 2019. Las otras son objetos nuevos, que están vinculados a la arquitectura y diseño de interiores, pero también inspirado en el espacio de baño ficticio, un clásico de la serie B y las películas de terror. En todas las salas trabajo la imagen y en particular utilizo fotografías de los años 1960 y 1970. Uno de los retos de la exposición será ver cómo estos objetos resuenan con el espacio.

Para obtener más información, visite Sitio web de Ludovic SauvageY el de la galería Valeria Cetraro.

Angustia vívida y dudas coloridas, del 04 de julio al 25 de julio, en la galería Valeria Cetraro (75003). 

Imágenes: © Cortesía del artista y la galería Valeria Cetraro.

Léa Pagnier

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