frendeites
comunità



Rencontre avec : Alexia Chevrollier

Dopo aver conseguito il DNSEP alla National School of Art di Digione (2012), l'artista Alexia Chevrollier ha studiato filosofia all'Università di Parigi 8 Vincennes-Saint-Denis (2014-16), quindi estetica all'Università Paris-Sorbonne (2016-18). Da allora Alexia Chevrollier ha mescolato pratica artistica e riflessioni teoriche. Incontro con un giovane artista plastico che "mette in scena" i materiali.

Muuuz: Quando ti ho incontrato, ho scoperto dipinti, sculture, video, fotografie, dove c'è sempre una questione di materiali. Puoi parlarci un po 'della tua pratica eclettica?
Alexia Chevrollier: Il mio lavoro può essere definito dal concetto di movimento. Non è congelato nel tempo o nella stessa pratica. Mi rifiuto di rispondere a un tecnicismo perché preferisco i materiali. Mi piace definirmi un regista di materiali piuttosto che un artista visivo. Nei miei lavori, metto in scena i materiali mentre un regista dirige i corpi. Cerco sempre di rivelare tutte le qualità dei materiali.

Per descrivere il tuo processo creativo, parli di una "derealizzazione della materia". Cosa significa ?
Uso l'espressione "derealizzazione della materia" per descrivere il mio lavoro sulla ruggine, che è sia pittorico che scultoreo. Quando sei uno scultore, usi spesso materiali che devono essere durevoli, perché esiste un concetto di elevazione e costruzione. Da questa osservazione, mi chiedevo come un materiale robusto come il metallo potesse esprimersi diversamente, e ho scelto di decostruire le proprietà stesse della materia rendendola liquida. La "derealizzazione del materiale" consente quindi di deviare la robustezza primaria del metallo.

Come sono nati i tuoi dipinti che "derealizzano la materia"?
Il mio desiderio di "derealizzare la materia" proviene da diversi percorsi di pensiero. L'idea è prima di invertire la qualità intrinseca di un materiale. Ma c'è anche un po 'di possibilità. Un giorno, i succhi di ossido di ferro che tenevo in lattine di metallo attaccarono i loro contenitori e versarono sul pavimento del mio laboratorio. Ho quindi preso foglie e frammenti di tela per pulire il liquido. Le opere di questo fortuito evento sono sia metalliche che organiche. Da allora ho sviluppato questa pratica di verniciatura ruggine. Sono stato anche ispirato da fabbriche abbandonate. Mi piace poter immaginare le vite passate di un luogo. Il metallo è molto presente nelle vecchie fabbriche, dagli armadietti ai quadri elettrici. Nelle fabbriche incolte, ci sono spesso strisce di ruggine che evocano il passare del tempo. I miei dipinti realizzati con succo di ruggine sono pretese dell'acciaio Corten, un acciaio auto-patinato utilizzato dall'artista Richard Serra nelle sue sculture, ma non sono in realtà dipinti. Sono opere di uno scultore piuttosto che di un pittore. Si evolvono perché si ossidano a seconda del contenuto di ossigeno e dell'umidità del luogo. Questi dipinti reagiscono costantemente con il loro ambiente, il che li riporta nuovamente alla scultura. Al contrario, nel mio lavoro di succo di ruggine su tela libera, ci stiamo allontanando da tele metalliche simili a lastre di acciaio Corten. Mi piace dipingere queste tele disincarnate sul pavimento del mio laboratorio. Dipingendoli sul pavimento, non metto alcuna distanza tra il mio corpo e la tela. Una volta che la tela è asciutta, la metto in scena appendendola al muro o posizionandola su barre di metallo. Mi piace scrivere il pavimento del mio laboratorio nella mia tela. Il laboratorio è il luogo nascosto dell'artista, il supporto di tutti i suoi errori e tutti i suoi successi. Lascio un'impronta, quella del mio laboratorio, ma anche tutti gli operai e gli artisti che hanno lavorato in questo posto prima di me. Mi piace evocare le storie degli spazi vissuti nei miei quadri.

7440nomini

Nel tuo lavoro, l'artigiano occupa un posto centrale. Puoi spiegarci il tuo approccio a noi?
L'artigiano in effetti occupa un posto molto importante nel mio lavoro. Sono affascinato dagli artigiani. Apprezzo la collaborazione con l'artigiano perché mi rifiuto di sponsorizzare il know-how. Sono più interessato alla reazione del materiale che al gesto dell'artigiano. Quando lavoro con un artigiano, gli chiedo di uscire dal suo know-how controllato portandolo verso posizioni di disagio. Poi divento "coreografo" dei suoi gesti.

Cosa significa questo lavoro collettivo per te?
Questo lavoro collettivo è molto importante per me. Non pretendo di imparare una nuova abilità. Voglio essere sorpreso e rimanere abbastanza ingenuo di fronte a un argomento. Mi piace guidare l'artigiano verso un terreno che non conosce, una situazione che non controlla. Spero che il mio intervento segna anche gli artigiani.

Che rapporto hai con gli artigiani con cui collabori? Li consideri artisti?
L'artigiano non è al mio servizio. Siamo entrambi al servizio della materia. Mi piace la possibilità di incontrare ogni artigiano. Ad esempio, quando ho iniziato a lavorare con il maestro vetraio Stéphane Pelletier dell'Atelier Gamil, c'è stato un legame immediato. Ho anche fatto molti lavori con lui, incluso soffio, Rivolta, Il respiro della fontana, entropia et Lulu. Deve esistere un rapporto di fiducia tra l'artigiano e me affinché la collaborazione sia possibile. Tutta la posta in gioco del mio film Contro Taylor il lavoro di un maestro carboniere consiste nel mostrare il passaggio dalla costruzione alla decostruzione della materia attraverso il gesto dell'artigiano.
Penso che la differenza tra l'artigiano e l'artista si cristallizzi attorno alla sfera commerciale. L'artista è tanto un produttore quanto un artigiano, ma l'artista è senza dubbio un cattivo artigiano. L'artista contemporaneo esplora spesso mezzi diversi, ma non li padroneggia necessariamente, mentre l'artigiano conosce e padroneggia molto bene una singola abilità. Alcuni artigiani hanno lasciato un segno indelebile nella mia carriera.

Perché i materiali ti affascinano?
I materiali raccontano storie. Ho un rapporto molto sincero con loro. Nel 2017, ho capito Condizione (struttura), una scultura effimera composta da una struttura in legno su cui era collocata una piccola scultura in terra cruda. Gioco qui sull'equilibrio tra la robustezza degli elementi in legno e la piccola scultura in terracotta, ma sono principalmente interessato alle storie di questi materiali. I frammenti strutturali utilizzati nel mio lavoro sono stati recuperati da un architetto in una vecchia casa per costruire una scala. L'architetto mi ha prestato questi frammenti di legno durante la mia mostra personale “La fabrique des Possibilità. Paesaggi grezzi ”alla Chapelle du Carmel a Chalon-sur-Saône nel 2017. Mettendo in scena questi pezzi di legno, interagisco con i materiali.

Alcune delle tue opere sono coinvolgenti, altre sono iscritte nello spazio. Cosa vuoi provocare nello spettatore?
Sto ancora cercando di parlare con lo spettatore. Nella mia ultima mostra personale "A parità di forza" al CRAC Champigny-sur-Marne nel 2019, ho scelto di creare un gioco tra esterno e interno per integrare il visitatore nello spazio. Tengo sempre in considerazione il corpo dello spettatore. L'opera funziona da sola, ma lo spettatore ha la sua importanza nella logica dell'opera. Nel tempo, le mie sculture e i miei dipinti si evolvono. Se il visitatore viene più volte a confrontarsi con le mie opere, può scoprire le trasformazioni visibili delle mie opere, gli "infrarossi" percepibili nel tempo. Lo spettatore è al centro della mia pratica. Nei miei lavori, vengo a contrastare la velocità e la resa che ci sono imposte dalla società capitalista confrontando lo spettatore al ritmo del materiale. Lo invito a interrogarsi. Tanto meglio se lo spettatore si annoia davanti ai miei lavori perché questo tempo libero gli consente di accedere a un altro mondo. Oggi, prendersi il tempo è diventato un atto di resistenza perché ogni minuto è redditizio.

In un recente testo, hai già detto l'impatto del parto sul tuo lavoro. Puoi parlarcene?
L'attuale crisi sanitaria causata dal Covid-19 mi ha permesso di testare la mia pratica artistica. Con questa primavera 2020, l'umanità è costretta a fermarsi e può quindi scegliere di riconnettersi ad attività essenziali. Durante il parto, ho deciso di riflettere sulla creazione post-contenimento. Come creare dopo la crisi sanitaria? Come adattarsi alla situazione attuale? Ho immaginato uno spazio con diverse opere, che i visitatori possono accarezzare. Questo futuro progetto sarebbe sia un invito a ricreare un legame sia un invito a produrre un'installazione collettiva. Ogni visitatore potrebbe venire e modificare le mie creazioni e introdurre la propria energia. Vorrei produrre opere interrelazionali e quindi dare al mio lavoro una dimensione collettiva. Questa installazione sarebbe la mia chiamata a uscire dall'individualità.

Per ulteriori informazioni, visitare il sito il sito dell'artista Alexia Chevrollier.

Fotografie: Portait, vedute delle mostre "A parità di forza" e "La fabbrica delle possibilità. Paesaggi grezzi ”© Nicolas Briet, Vista dello studio © Marie Docher, estratto del video Against Taylor, 2014-2017, film, 1h45 min © Alexia Chevrollier.

Léa Pagnier

Pubblica il tuo commento

0
  • Non ci sono commenti su questo articolo.

ADC Awards

ADC-Awards-logo-2017 250-01
Le realizzazioni architettoniche più importanti eletti dalla comunità professionale

>> Per saperne di più

MIAWs

Miaw logo ok bianco

Un premio internazionale per i migliori prodotti per architetti e professionisti di layout

>> Per saperne di più

CONTATTACI!

5, Saulnier Street - 75009 PARIS

T: + (33) 1 42 61 61 81

F: + (33) 1 42 61 61 82

[Email protected]

www.muuuz.com

su

il mio conto

Versione mobile