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Rencontre avec : Ludovic Sauvage

Per oltre 10 anni, l'artista visivo francese Ludovic Sauvage (nato nel 1985) ha creato installazioni immersive, manipola immagini prodotte da altri e trae ispirazione da una memoria collettiva postmoderna. Mentre stava lavorando alla preparazione della sua seconda mostra personale presso la galleria Valeria Cetraro, lo abbiamo incontrato nel suo laboratorio parigino per parlare di creazione, installazione e percezione.

Muuuz: Puoi parlarci del tuo background?
Ludovic Sauvage: Sono arrivato alla creazione attraverso una pratica di disegno, che mi ha portato a un settore delle arti applicate al liceo. Dopo aver superato diversi esami di ammissione alle scuole d'arte, ho studiato alla Scuola Regionale di Belle Arti di Valence, poi a Villa Arson a Nizza. All'ERBA di Valence, ho acquisito molte conoscenze teoriche e concettuali e ho iniziato a lavorare con le immagini. A Villa Arson, ho continuato le mie ricerche sulla decostruzione e la collocazione nello spazio di immagini già prodotte. Dopo la laurea, mi sono trasferito in Australia, dove ho vissuto e lavorato per nove mesi. Nel 2008, sono tornato in Francia per partecipare alla mostra Estratto Trivial organizzato da Pascal Pinaud alla galleria Nathalie Obadia e alla galleria Carrée di Villa Arson, e mi sono trasferito a Parigi.

Manipoli immagini datate: diapositive di souvenir, archivi analogici, fotografie tratte da riviste o libri. A volte li stampi su tessuto o specchi. Lavori anche con video e 3D, ma soprattutto inventi installazioni immersive dotate di dispositivi di proiezione. Come definiresti la tua pratica artistica?
Il mio lavoro si concentra su una pratica personale di installazione artistica. Cerco di decostruire le immagini per produrre sensazioni che portino un discorso su ciò che sta accadendo sotto i nostri occhi. Le immagini scelte, apprezzate da tutti, e in particolare dagli spettatori che sono state immerse nella cultura pop della società postmoderna, mettono in discussione le relazioni che abbiamo con le immagini. Con le mie installazioni, ho intenzione di guidare lo spettatore verso varie altre parti suonando o riproducendo questo momento in cui l'immagine richiede la sua attenzione, la sua memoria e la sua immaginazione. Quando realizzo oggetti, provo anche a trascrivere le impressioni che le immagini possono suscitare, ma poi metto in discussione la dimensione affettiva degli oggetti.

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Nella maggior parte dei tuoi lavori, usi immagini che non hai prodotto. Perché ? Come li selezionate?
Molto presto nei miei studi, ho iniziato a lavorare con immagini scattate da altri operatori. All'epoca, la produzione di nuove immagini equilibrava molte pratiche che non volevo esplorare. Dall'inizio della mia carriera, quindi, mi sono naturalmente spostato verso una pratica correlata campione. Limitare il mio processo di creazione a un semplice intervento su immagini già esistenti mi ha finalmente permesso di avviare un dialogo più interessante con il mondo esterno. Mi capita spesso di imbattermi in immagini. Colleziono varie immagini. Poi, ad un certo punto, si sta formando un insieme interessante di elementi visivi e voglio sfruttarlo. Nel Pieno sole, ad esempio, ho messo nello spazio una serie di diapositive, che sono state scattate da un fotografo amatoriale, ma che mi parlano perché mostrano i paesaggi del sud della Francia fin dalla mia infanzia.

In Archeologia (forme) (2017), stai modificando dieci diapositive di opere d'arte. Con queste immagini, stai cercando di inserirti in una certa eredità della storia dell'arte?
In Archeologia (forme), Non sto entrando volontariamente in un retaggio della storia dell'arte, ma non mi dispiace che gli spettatori abbiano questa sensazione. Questa serie di dieci diapositive di souvenir, che una volta veniva venduta ai visitatori dei musei greci, si unisce alle mie solite immagini. Modificando queste diapositive legate al ricordo di una visita, ho cercato di produrre forme più minimali che alla fine riecheggino una cultura visiva recente. La relazione pittorica con l'immagine mi interessava molto più delle opere fotografate. Volevo principalmente creare un gioco di carte visivo, ma non posso negare il suo ovvio dialogo con la storia dell'arte.

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Nelle tue opere in cui si tratta di paesaggio, rifletti sulle relazioni tra immagine, spazio e tempo. Cosa ti affascina della rappresentazione del paesaggio?
Quando manipolo le immagini del paesaggio, sono principalmente interessato alla proiezione e alla dicotomia tra il paesaggio vissuto e il paesaggio percepito. Mi è sempre piaciuta la possibilità di proiettarmi in un altro fantastico. L'immagine di un paesaggio è sempre un punto di vista dato a un luogo e consente di abbracciare uno spazio senza doverlo sperimentare.

Nelle strutture valli (2010) e Pieno sole (2014), proiettate immagini e immergete lo spettatore in un'esperienza visiva e coinvolgente. Quali reazioni vuoi provocare in lui?
Cerco di sedurre lo spettatore facendolo dubitare. Cerco, da un lato, di affascinarlo e, dall'altro, di spingerlo a meravigliarsi di questa seduzione. Il mio rapporto con lo spettatore è quindi ambivalente. Nel valli, due paesaggi sono proiettati nello stesso posto, ma da due fonti di proiezione separate. Aggiungendo luce, i paesaggi si fondono perfettamente. Il risultato è un paesaggio che sembra completamente reale. Se lo spettatore passa davanti all'una o all'altra delle fonti di proiezione, può cancellare un'immagine e scoprirne una nuova. Qui, il mio gesto artistico consisteva nella scelta degli elementi visivi, nel loro spazio e nella loro proiezione nello stesso posto. Per Pieno sole, Ho perforato 81 diapositive analogiche. In ogni immagine, un cerchio bianco ora sostituisce il soggetto principale. In questi due dispositivi di proiezione, ho usato il loop e ho pensato al contesto in cui i miei lavori sarebbero stati presentati. Allo stesso modo, in Due deserti, trenta diverse sequenze di un minuto si susseguono. Come spiega Philippe Parreno in Fumetti, il loop è una forma molto adatta per la mostra. Nelle mie installazioni, provo ad affascinare lo spettatore con dispositivi immersivi, che possono essere vissuti in base ai diversi periodi di tempo lasciati alla scelta di tutti.

Dal 04 al 25 luglio, sarai esposto alla galleria Valeria Cetraro. Quali saranno le sfide di questa mostra personale?
Angoscia vivida e dubbi colorati è la mia seconda mostra personale alla galleria Valeria Cetraro. Per la prima volta, mostrerò solo oggetti. Tra i pezzi che verranno presentati in galleria, alcuni sono stati prodotti durante una precedente mostra, che si è tenuta a Bains-douches ad Alençon nel 2019. Gli altri sono nuovi oggetti, che sono collegati al architettura e design, a volte ispirati allo spazio fittizio del bagno, un classico della serie B e film horror. In tutte le stanze, lavoro sull'immagine e utilizzo in particolari fotografie risalenti agli anni '1960 e '1970. Una delle sfide della mostra sarà vedere come questi oggetti risuoneranno autonomamente con lo spazio.

Per ulteriori informazioni, visitare il sito Il sito web di Ludovic SauvageE quello della galleria Valeria Cetraro.

Angoscia vivida e dubbi colorati, dal 04 luglio al 25 luglio, presso la galleria Valeria Cetraro (75003).

Immagini: © Per gentile concessione dell'artista e della galleria Valeria Cetraro

Léa Pagnier

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